Time Tales, la casa de las fotos pérdidas y reencontradas

Esta sorprendente foto la encontré en Time Tales, un excelente portal con fotografías encontradas por épocas y dónde señala la procedencia. Es de Dean Portman, de Los Angeles (California) y la encontró en una tienda de segunda mano de Pasadena, también en California, en 2001. ¿Qué es Time Tales? Es un portal que recoge una colección de fotografías encontradas en mercados, tiendas de antigüedades, subastas o tiendas de segunda mano. Otras se encontraron en la calle, caídas de un bolso o un bolsillo rasgado. Muchas aparecen, olvidadas, en una habitación o se encontraron en una casa abandonada. "Ahora las fotos existen, después de haber estado perdidas a tiempo. Time Tales no pretende revelar sus misterios, sólo quiere ser la nueva casa para fotos perdidas, un lugar de descansa, para lo anónimo y lo perdido". ¿What is Time Tales? Time Tales Is a collection of found photographs. Found at fleamarkets, thriftshops, some are scooped up from streets and alleyways, fallen from an overstuffed bag or torn pocket. Others turn up in a cabinet’s hidden compartment, found while wandering the rooms of an abandoned house. Now the photos exist by themselves, lost in time. Time Tales does not want to reveal their mysteries. Time Tales asks to be the new home for lost photos, a resting place, for the nameless and the lost.

Martín Ramírez, cuadros vomitados sobre papel de embalar

Martín Ramírez es un pintor mexicano desconcertante, maldito a su pesar, jamás domesticado y pasto de amnesias colectivas. Fue un mártir involuntario del crac del 29 y un enfermo mental recluido durante tres décadas. Ramírez nació en Los Altos de Jalisco, México, en 1895. Campesino de origen indio, amante del trabajo en el monte, tenía mujer y cuatro hijos, una pequeña parcela y un caballo cuando emigró a Estados Unidos en 1925. Como un hijo del fatalista Corman McCarthy cruzó el tajo que separa México del vecino. Encontró irresistible la llamada de California, donde las historias de fortuna, las meretrices de los calendarios y el fulgor de Hollywood creaban mitología en vena. Allí trabajó en el ferrocarril, pero la quiebra de la bolsa neoyorquina de 1929 lo dejó en la calle. Las noticias de la rebelión cristera, que arruinó a los suyos en Jalisco, contribuyeron a minarlo. Durante varios meses vagabundeó picoteando sobras y durmiendo al relente. Incapaz de chapurrear una palabra de inglés, lo devoró la enorme leprosería que sucedió al crac. Desorientado, lejos de su familia, fue detenido y enviado a un hospital, donde los doctores diagnosticaron sucesivamente esquizofrenia, depresión aguda, catatonia y psicosis. Salvo unaMar fugaz visita de un sobrino, que lo localizó años después, jamás volvió a saber de los suyos. Cuando el sobrino preguntó por qué no dejaba el psiquiátrico y regresaba a México, Ramírez respondió que ya había viajado suficiente, emplazándolo a reencontrarse durante el Juicio Final. Durante el resto de su vida Martín Ramírez optó por no hablar. Recluido en el silencio, recorrió instituciones mentales y recaló en el Dewitt State Hospital, un psiquiátrico del norte de California. También comenzó a pintar. Tarmo Pasto, profesor de Psicología y Arte en la Universidad Estatal de Sacramento, quedó fascinado. Intuyó la grandeza de aquella obra, repleta de simbolismo y trenes infinitos. Hasta entonces Ramírez había peleado para salvar los dibujos de los celadores, que convencidos de que estaban infectados con los bacilos de la tuberculosis, registraban la celda para destruirlos. Texto de Julio Valdeón Blanco

Carlos Pazos, acumulador de objetos pop (I)

Aunque estudia arquitectura, filosofía y diseño, Carlos Pazos se forma en la tradición del arte y la cultura pop, asimila la influencia del Póvera, en el tratamiento de los materiales o en su concepción del sentido de lo feo, y asume del conceptual la libertad en los planteamientos. Con estas referencias presenta su primera muestra personal (1970, Salas del Ateneo de Barcelona), que dará paso a su popular exposición Voy a hacer de mí una estrella (1975, Sala Vinçon de Barcelona). Con un club de fans propio: el c.p. fans club, "en Pazos el aroma que fluye, que circula y da cohesión a su atmósfera, a su constelación, es el de la seducción. Seducción que en él toma una doble dirección: la que va de sus objetos al público (objetos de seducción) y la que va del artista así mismo (artista seducido)... Pero lo que en realidad cohesiona y define su obra es el poder de sugerencia de su mitología personal (necesariamente narcisista) y su elaborada "puesta en escena". En 1978 Carlos Pazos realiza Floor of Fame en el Centro Georges Pompidou de París, se insala temporalmente en Nueva York donde crea, en 1995 y con Steven Pollack, la asociación Voodoo Victims. Artista múltiple como pocos, ha trabajado de guionista y actor secundario en Serenata a la luz de la luna, (1978), como director artístico en Contes de la veritat oculta, (1986), de protagonista en Es quan dormo que hi veig clar (1987) y como director y escenógrafo en la ópera teatral El bell lloc, de Joan Brossa, (1998). En el año 2000 realiza diversas colaboraciones con el fotógrafo Luis Ros bajo la firma Mic y Mau y entre otras muchas apariciones, en el 2001 presentó Sindetikon primero en la Sala Amárica de Vitoria y luego en los museos de Teruel y de la Universidad de Alicante. Ese año también la Fundación Antonio Pérez de Cuenca revisó su Obra Multiplicada. Muy Original, 19692001 y en el 2004 es el Museo Reina Sofía de Madrid quien expuso Copito... ¿y por qué no?...

Carlos Pazos, acumulador de objetos pop (y II)

... Así es como "desde 1970 Carlos Pazos nos viene contando una historia, a pesar de utilizar los más diversos elementos, los más variados escenarios y los más desconcertantes títulos. Su plural creación plástica posee un marcado carácter unitario y siempre nos remite a la misma crónica sentimental, porque está construida a partir de fragmentos de una autobiografía que trabaja con la memoria, la inteligencia y los recursos propios de la sensibilidad". Con todo ello crea sus originales collages o "divertimentos, como él los denomina, en un intento de unir, relacionar y emparentar los objetos para extraer la belleza de lo banal. Porque Pazos "se comporta como un arqueólogo piadoso que ordena en la estantería los objetos que configuraron irremediablemente nuestros sueños…y se conoce tan bien la película por dentro que, en realidad, nos la explica a través de su propia autobiografía. Abre su album, que es un "collage" de emociones excesivas, y allí aparecemos todos, tal como éramos y soterradamente somos, más o menos marcados por la fatalidad de nuestros recuerdos, que se pueden ignorar, pero no olvidar". Toda su trayectoria mantiene una coherencia inusual aun cuando sea un superviviente del conceptual catalán, "en su trabajo existe discurso, razones, ritmo…en sus exposiciones se percibe ese punto de misterio, de vida, de agitación, que caracteriza a toda obra que se precie…Dicho con claridad estamos ante uno de esos artistas cuya actividad reconforta por los logros que alcanza, pero también por la nitidez con la que desvela torpezas ajenas. Un solitario, en muchas ocasiones un marginado, siempre un imprescindible". Su obra posee una fuerte carga poética unida a una estética inocente y provocadora, con constantes referencias a la infancia y a los tiempos pasados. Porque en definitiva, Carlos Pazos es un poeta de la vida y un arqueólogo de la melancolía del mundo, "siempre fresco y sugerente consigue rescatar del olvido buena parte de nuestra memoria colectiva e individual, aderezada con finas notas de humor e ironía". Encontrado en la Fundación Endesa

Chema Madoz, ilusionista en blanco y negro

No todo es lo que parece.... y Chema Madoz (Madrid,1958) se encarga de ponerlo en evidencia. Ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos. Nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja, el humor -por qué no la gregería- se dan cita en el estudio del fotógrafo. La idea inicia su proceso de superación del objeto y establece una descontextualización Dadá. La ironía con la que Madoz asalta modelos reconocibles establece una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo. ... las fotografías no son solo el reflejo de lo que estaba ahí (una suerte de memoria portátil), -nos comenta Fernando Castro- también tienen que ver con la conciencia de la desaparición... ... en sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real... Cristian Caujolle subraya que en la obra de Madoz está articulada por unos objetos engañosos que detrás de su apariencia habitual, la que reconocemos (un sobre, un guante, una cerilla, un bastón, una balanza, un lapiz, etc.), porque nos es familiar, ocultan una extrañeza que produce una sensación nueva que impide considerar las fotografías como naturalezas muertas.

Los Rastros de Rolando Castellón

Rolando Castellón nació en Nicaragua y vive en Costa Rica. En la exposición Trílogo: tres personajes/un rastro presenta una serie de trabajos realizados a lo largo de 30 años por Rolando Castellón, Moyo Coyatzin y Crus Alegría. No se trata de una muestra colectiva de tres artistas, sino de muestra individual en donde se revelan los seudónimos con los que Castellón ha jugado y firmado sus diferentes obras. Trílogo es un inventario del quehacer de Castellón, donde el espectador encontrará grabados, dibujos minuciosos, pinturas y una diversidad de obras llena de materiales orgánicos y desechos encontrados. Como se verá en la exposición, una constante en el trabajo de este artista es la utilización del barro, el cual es, según ha dicho, un recuerdo de las paredes de tierra de las casas cuando se desmoronan. Este artista, clave para Latinoamérica, ha sido considerado por el crítico brasileño Paulo Herkenhoff el gran secreto guardado del arte contemporáneo internacional.

Malcom Tarlofsky, collagista e ilustrador

Malcom Tarlofski es un ilustrador que presenta un tipo de collages de carácter tradicional transformado al medio digital para un uso editorial en los medios de comunicación.

Obama + Greenpeace = Sarkozy

¿Reducir un 30% las emisiones de gases de efecto invernadero en Europa? Yes, you must, escribe la organización en los carteles con grandes fotos del presidente galo colocados en estaciones del metro parisiense. La organización ecologista Greenpeace utilizó el conocido lema del presidente electo de Estados Unidos, Barak Obama, Yes, we can en una campaña de carteles en el metro de París para pedir al jefe de Estado francés, Nicolas Sarkozy, más compromiso en la lucha contra el calentamiento climático. ¿Reducir un 30% las emisiones de gases de efecto invernadero en Europa? Yes, you must, escribe la organización en los carteles con grandes fotos de Sarkozy colocados en estaciones del metro parisiense. Bautizada como SarkObama, la campaña se ha desarrollado durante una semana sin que Greenpeace hubiera desvelado hasta hoy que eran ellos sus autores, lo que había dado lugar a múltiples especulaciones.En los días pasados, la imagen de Sarkozy aparecía junto al lema Yes, we can que tan popular hizo durante la pasada campaña Obama.

Mail Art para Amy Winehouse

Lo encontre en el blog Lettres d'Ailleursl un homenaje a Amy Winehouse, que buena falta le hace. Amy Jade Winehouse (Enfield, Londres, 14 de septiembre de 1983), cantante y compositora británica de soul. Su albúm debut, Frank, editado en 2003, fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Premio Ivor Novello en 2004 por su single Stronger than me. En 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, por Back to Black; su disco ha alcanzado el platino de Estados Unidos y, como broche de oro, ha conseguido tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007; ese mismo año, en noviembre, lanzó Back To Black Deluxe Edition, reedición de su exitoso álbum Back to Black y su primer DVD titulado Told You I Was Trouble. El 10 de febrero de 2008 se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado debido «a uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala. Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas.

Hatexc, graffiti en Bogotá

Este graffiti lo encontré en Bogotá (Colombia) en noviembre de 2007, durante un fascinante viaje. Este método de graffiti utiliza poca pintura y genera el máximo aprovechamiento del espacio y de la forma de expresarse. Buscando información sobre el autor, Hatexc, encontré un interesante blog que está dedicado exclusivamente al graffiti en Bogotá y, cómo no, aparecía el fotografiado por mí poco tiempo antes.

Balu d'Art, arte postal dedicado a los dardos

Estos collages los he tomado prestados de un blog alemán llamado Balu d'Art. El blog cuelga los mail art, todos con el tema de los.... dardos. Los collages-mail art sirven para decorar el lugar, entre restaurante y centro de ocio. El autor es canadiense. El mail-art o arte postal es una forma de expresión artística que consiste en la total libertad de intercambio de cualquier documento u objeto que pueda ser puesto en circulación a través de los servicios postales, aunque cada vez con más frecuencia, se utilizan otros medios como el telex, el fax, el módem... Si bien el objetivo del mail-art es la comunicación, al final se convierte en una obra de arte. Lo que lo hace realmente sugerente es la libertad de maniobra sin precedentes. El mail-artista pone en circulación y acepta todo aquello que le pueda resultar adecuado, todo objeto susceptible de ser artístico, asegura Francisco J. González, el Mail-Art. Esta libertad requiere un reciclaje constante del propio concepto de arte, así como una ruptura con la comercialización mercantilista a la que va abocada la producción. El arte postal no es una corriente artística al uso, sino un conglomerado de diferentes estilos que utilizan un mismo canal de expresión.

The Sleepers, de Sophie Calle

En la performance The Sleepers, Sophie Calle, invita a 24 personas a ocupar su cama durante 8 días: "Pedí a algunas personas que me proporcionaran algunas horas de sueño. Venir a dormir a mi lecho. Dejarse fotografiar. Responder a algunas preguntas".

Bailarines argentinos (doble encuentro)

Sorprendente página web. Está elaborada en Argentina a partir de fotos encontradas y agrupadas en secciones: retratos, parejas, colecciones..... En su introducción, el autor explica como se ha formado esta ingeniosa página. ¿Recuerdan haber roto, quemado o tirado fotos? A veces, un gesto poco agraciado, una vestimenta pasada de moda o la compañía de personas que queremos olvidar, bastan para decidirnos a tirar algunas fotos. Lo mismo ocurre cuando nos encontramos con fotos de familiares con quienes ya no nos une ningún lazo afectivo o cuando el paso del tiempo ha borrado toda referencia. La fotografía que ha llegado a la costa de la Isla Hjartoy (hay una similar) pertenece al argentino Samuel Salomón Gromatzky, alias Groma. Desolina Merlino, alias Derby, es la mujer que lo acompaña en muchas de las fotos de la colección encontrada en la página web, era de nacionalidad italiana y había nacido en el año 1891. A principios de la década de 1930, se presentaron en diversos teatros de variedades de Europa y Latinoamérica bajo el nombre artístico de Derby & Groma. Su completa rutina incluía el tango y las danzas gauchescas.

El objeto encontrado de Antonio Pérez

Antonio Pérez es un cazador de instantes, un peatón de Cuenca y del mundo que posee una mirada única, especialmente adiestrada para detectar aquellos objetos que merecen incorporarse a su ronda. Que sabe mirar una pieza metálica industrial y detectar en ella un torso, escrutar una piedra y hacer surgir en ella un rostro, contemplar una rama como un Miró o una lata de cerveza oxidada como un símbolo tántrico. Objeto y surrealismo son dos palabras que a la fuerza hay que relacionar, en este siglo, y en este sentido está claro que aunque no sea esa la única poética aquí en juego, los objetos de Antonio Pérez se inscriben en la tradición dadá y surrealista de los de Marcel Mariën, Joan Brossa o Marcel Broodthaers, por citar tan sólo a unos cuantos de los cultivadores de esta disciplina. Los de Antonio Pérez son siempre ready mades, objets trouvés -aunque mucho más tiernos que los duchampianos-, objetos encontrados en el transcurso de alguna caminata, ya sea por Cuenca y sus alrededores, ya sea por alguna otra ciudad. Generalmente se limita a recogerlos él mismo, y añadirles un título, que viene a subrayar en clave irónica, algún posible parentesco con otra realidad, o si viene a cuento con una obra de arte preexistente. Tampoco faltan casos en los cuales va un poco más allá, y se permite una intervención mínima, consistente en yuxtaponer dos o más objetos, estableciendo en base a esa yuxtaposición, una nueva realidad.

La divina cotidianeidad

Qué le vamos a hacer, nunca serás un poeta .. En cuanto a las alosas tomen el campo de centeno por un campo de chimeneas Tal vez alguien se acerque a segar el arpa negra Eso espero Cosecharía un gran poema. Estos versos de Krestny list, el primer libro de poemas de Jirí Kolár escrito en 1936 por un autor todavía joven, lleno de dudas sobre sí mismo, prefiguran todo lo que después cautivará e interesará al poeta y al artista, aquello por lo que nunca dejará de esforzarse: descubrir y sacar a la luz la poesía de la vida cotidiana.

Realms of the Unreal

Darger’s imagery, when it details mayhem and sometimes the lurid mistreatment of little girls, can be distressing. An observer characterized a picture in a sunny landscape in which images of children, exotic flowers, butterflies and exploding bombs were joined as “being like Beirut.” The only possible response in such instances is that art, being often fashioned from artists’ obsessions, is rarely a vehicle for the description of perfection: Darger created art from the visions available to him. Viewers are also perplexed by the clearly androgynous anatomy of Darger’s nymphettes, curiously enough a trait never in evidence among the seven angelic Vivian girls. It is not possible to fathom the causes or intricacies of Darger’s fantasies, but it should be said that his public behavior appears to have been without blemish. A saintly man who frequently attended Mass, Darger saw himself as the ardent protector of children. He could, therefore, in his words and images, subject his creatures to terrible trials from which it was in his power to rescue them. The wars, fires and tempests that form the context of his art undoubtedly reflect an unconscious conflict that seems to have given him little respite. God was Darger’s protagonist and consequently the conflict could be nothing less than cosmic. This poignant struggle is extensively documented in the artist’s diaries, which record by turns his pleading and rancorous exchanges with the Creator. If Darger’s fantasies often hovered on the fringes of sanity, his art enabled him to transform his obsessions into a luminous production that, in its best moments, transcends the pain and circumstances of its making. Texte of Stephen Prokopoff

Darger, los reinos de lo irreal

Henry Darger (1892-1973) creó su obra en un aislamiento total y en ella invirtió toda su vida. Se reconocía como artista y escritor, pero jamás buscó público o un editor. Se crió en un orfanato católico para niños deficientes mentales, tras la muerte de su madre durante el parto de su hermana, a la que nunca conoció. Darger escapó de aquel hospicio a los dieciséis años, pero al descubrir que su padre había muerto tres años antes, debió mantenerse desempeñando trabajos manuales, como haría durante los siguientes 50 años. Su vida empieza entonces a tomar un patrón fijo: asiste regularmente a misa, a veces hasta cinco veces al día; recolectaba ingentes cantidades de basura de la calle y se relacionaba con poca gente. Su único amigo conocido, William Shloder, compartía con Darger el proyecto de fundar una Sociedad Protectora de los Niños, sin embargo Shloder dejaría Chicago a mediados de los treinta. La vida real de Darger es trágica, llena de contradicciones y frustraciones intelectuales y emocionales. Empezó su gran obra In the Realms of the Unreal a los 19 años y la continuó durante 63 años, prácticamente hasta su muerte. El proyecto de Darger sobrepasó todos los límites de lo razonable y se materializó en un obra mecanografiada de 14.283 páginas, agrupadas en 13 volúmenes, llena de collage, dibujos y cientos de descripciones y anexos.

El checo Jirí Kolár, un artista total

Jirí Kolár nació 24 de septiembre de 1914 en la ciudad checa de Protivín en Bohemia del sur. Empezó a trabajar como carpintero y durante su vida ejerció varias profesiones. Su carrera artística la empezó en los años 30 escribiendo poemas surrealistas y haciendo collages. Junto con otros artistas checos fundó el legendario grupo surrealista D42. Bajo el régimen comunista no pudo publicar sus libros, en el ano 1952 incluso fue encarcelado por el contenido de uno de sus textos. En los años 60 el escritor perdió su fe en el significado de las palabras y se dedicó por completo a las artes plásticas. Según él, las palabras y los pensamientos que derivan en palabras perdieron toda su fuerza y su función primordial. Entre sus obras más famosas podemos citar la colección en que expresa su admiración por los maestros antiguos. Cortó en pequeños trozos las reproducciones de obras antiguas que después combinó en collages expresando así su humor y sentimiento poético. Jirí Kolár no destacó solamente como pintor o poeta, sino también como coleccionista. Su colección que contaba con autores de varios estilos y épocas así como de varios países recientemente la donó a la Fundación de Meda Mládková y actualmente se exhibe en Praga. Jirí Kolár fue signatario de Carta 77, declaración que condenaba la violación de los derechos humanos en la entonces Checoslovaquia comunista. En 1980 se vio obligado a emigrar a París. Con respecto a ello afirmó: "El ámbito checo es muy pequeño para muchos artistas checos debido a su insoportable intolerancia". Siempre le gustó Praga, pero según repitió en más de una oportunidad en París se sentía feliz. Hasta el final apuntó: "Si tuviera las piernas sanas me iría a Paris a pie". Fuente: Taller del Prado

Las termitas trabajan para Miquel Barceló

Seguiré hablando de la experiencia africana de Barceló. El artista mallorquín no para de hablar de Mali, un país que le ha fascinado. Barceló es un artista extremo y por eso podemos encontrar cosas extraordinarias y otras que nos hacen pensar. Ahora se trata de reflexionar sobre su método de dibujo, con la utilización casual o provocada de las termitas. Barcelo volvía de sus viajes a África y encontraba grandes agujeros en todos sus papeles. Las responsables eran las termitas y se decidió a trabajar con ellas. "Ahora es un placer ver que trabajan veinticuatro horas al día", asegura el artista. Utiliza liquidos y alimentos que las atraen y deja que sean ellas las que dibujen, sobre papeles en blancos o ya dibujados. Una técnica fortuita y fascinante.

La tercera dimensión de Hope Kroll

Hope Kroll se presenta. Asegura que empezó por diseccionar libros antiguos, buscó en ellos sus fotos de las aves e insectos, la maquinaria obsoleta y anticuada y los aparatos para procedimientos quirúrgicos. La collagista Hope Kroll combina estas imágenes para crear un mundo de pesadilla inspirado en los gustos de El Bosco, Peter Bruegel, Henry Darger, Joseph Cornell y Terry Gilliam. Su trabajo es casi un nuevo género. Historias con imágenes que son sometidas a una forma más elevada, ya que perturban y deleitan mientras que invocan gratos recuerdos y despiertan oscuros temores.

The ABC´s of DADA (1)

Sorprendent document. The Virgin Mary was already a dadaist. Ok Tristan Tzara.

Art: The excrement of action

A Dadaist once smashed a clock, dipped the pieces in ink, pressed the ink-soaked pieces against a sheet of paper and had it framed. His purpose was to criticize the modernist idealization of efficiency. Rather than inspiring the widespread smashing of clocks and the reevaluation of time in society, the piece of paper has become a sought-after commodity. The production of a representative organ (the ink-imprinted paper) for the action (the smashing of the clock) guaranteed this outcome. Like an idealistic politician, the piece of paper, despite its creator’s intent, can only represent, and it is for this reason that it instantly became a fetishized object segregated from the action. Only in a culture obsessed with its own excrement are the by-products of action elevated above action itself.Representation is the most elemental form of alienation. Art as representation is no exception. It is just another means by which our perceptions and desires are mediated. Art is the politician of our senses: it creates actors and an audience, agents and a mass. True creativity is the joyful destruction of this hierarchy; it is the unmediated actualization of desires. The passion for destruction is a creative passion. We are all capable of manifesting our desires directly, free of representation and commodification. We will continue manifesting ours by euthanizing your bourgeois fad. WARNING: THE REMOVAL OF THIS DOCUMENT COULD RESULT IN INJURY, AS WE HAVE MIXED THE WHEATPASTE WITH SHARDS OF GLASS. In Flickr, in the galery imjustsayin